【编者按】
在光影交错的时空里，东方美学正以沉默而磅礴的力量叩击世界艺术之门。当阿布扎比卢浮宫遇见日本阴翳美学，当阿拉伯窗棂映照日本障子纸的柔光，一场跨越八千公里的文明对话在《阴影礼赞》的哲思中悄然绽放。六位入围理查德·米勒艺术奖的创作者，用树脂凝固转瞬即逝的阴影，用声光编织虚空之境，甚至将四千年前的北极星轨迹铸成当代日晷。这些作品不仅重新定义了博物馆的物理空间，更在全球化浪潮中守护着传统的根脉——正如策展人所言：“在过度全球化的世界里，坚守传统恰是他们的力量。”让我们循着树影婆娑的lapis lazuli石砖，步入这场光影筑就的东方诗学现场。
“美不在于物体本身，而在于物体与物体相互交织产生的阴翳斑驳、明暗参差之图案。”谷崎润一郎在其1933年散文集《阴翳礼赞》中如是写道。
这部作品深刻影响了日本现代设计与美学。它挑战西方审美理念与影响，激励建筑师与艺术家拥抱光与影的共舞。当日本正全面吸纳西方技术与习俗时，谷崎的散文为传统价值敲响了一记清醒的警钟。
“此地艺术2025”大展正源自这一理念。它将日本美学 sensibility 与相似的地域哲学相连接，其建筑表征可见于阿拉伯镂空窗棂的精巧结构。
阿布扎比卢浮宫的这场展览呈现了年度理查德·米勒艺术奖六件入围作品，展期将持续至12月28日，届时将揭晓最终获奖者。
尽管往年展览曾汇集中东与北非地区当代艺术，今年首次迎来日本艺术家的参与。
“我希望能找到一个根本性的美学主题，串联起阿拉伯窗棂与日本障子纸共同具有的柔光特性，”策展人索菲·真由子·阿尔尼表示，“海湾地区与日本都深植于传统。在过度全球化的资本世界中，坚守传统正是他们的力量所在。”
参展作品以出人意料的方式回应“阴影”主题。从工艺导向到概念表达，艺术家或将阴影具象化封存于树脂立方，或通过环绕观者的频闪灯光压缩光影存在。
在《树之研究》中，哈姆拉·阿巴斯呈现由31块石砖组成的装置，在青金石表面创造树影婆娑的意象。摇曳的剪影在金石的金灰脉络间流转，唤起动态的生命力。石砖描绘的树木聚焦于巴基斯坦与阿联酋本土物种，从金合欢、橄榄、石榴、樱桃到枣椰树与牧豆树。
“伊斯兰艺术中无处不在的花园意象启发了这件作品，”阿巴斯解释道，“无论是纺织物、金属工艺还是石雕镶嵌，花园始终存在。这件作品完全采用切割镶嵌的青金石制作，经过打磨达到镜面效果。我鼓励观众触摸感受。”
黑川良一则通过视听装置《skadw-》展现光影如何塑造感知。垂直光柱与翻涌的雾气互动，脉动与频闪交织出阴影，营造出冥想的超验体验。
这些脱离实体物象的阴影，旨在诠释日本美学中的“间”——虚空、留白与间歇之美。
“在本次展览语境中，这是件非常有趣的作品，”真由子表示，“我们过往很少展出视听类作品。”
更巧妙的是，作品陈列在博物馆户外区域延伸出的狭窄廊道——多数观众未曾涉足的空间。置身其中，观者将被光影与雾中浮现的抽象形态完全包裹。
布施伦太郎的《永夜日晷》是另一件开拓新空间的力作。
装置坐落于博物馆露台，一侧以标志性穹顶为幕，另一侧铺展着阿布扎比天际线。抛光不锈钢材质映照出观者与周遭景致，三根传统日晷仪使用的晷针从装置中升起，各自对应着计时盘面。
“每根晷针指向不同的北极星，”布施解释道。他透露精准排列晷针需经过周密计算，既要确定上古北极星“右枢”的位置，也要推算出四千年后新北极星“少卫增八”的轨迹。“它们共同隐喻着过去、现在与未来。”
阿联酋艺术家朱迈尔带来作品《回声》。这个环形水池式装置配备运动传感器，在反光表面投射青绿色的数字阴影，一侧竖立着盛放的玻璃花朵。
“这延续了他以水为媒介的创作脉络，首作曾亮相首届阿布扎比之光艺术展，”真由子介绍，“当时在鲁鲁岛展出的声光同步海浪装置堪称亮点。对这位坚持匿名的艺术家而言，大海蕴藏着所有答案。”
本次展出的装置暗合瑞士心理学家荣格关于阴影自我的论述，引导观众凝视潜意识中的压抑情感。但作品灵感另有所源。
“创作源自那喀索斯与回声仙子的神话，”真由子娓娓道来，“回声仙子求爱遭拒后，那喀索斯被诅咒终日凝视水中倒影，最终化作水仙。但作品名为《回声》——她才是这场旅程的真正主角。如果回声仙子足够自爱，是否就不会在痴恋中迷失自我？”
日摩·布亚德建筑双人组（日本横前拓真与摩洛哥布亚德博士）带来模拟自然云影枝痕的装置。
纤长支柱顶端轻悬网状结构，随风摇曳生姿。这些运动在昼夜间投射出变幻的影迹。当《流云舞影》被视作展亭时——正如创作者所期待——它突然显现为对传统完整建筑体的碎片化解构，反之又引导观者将丛丛网柱视为统一整体。
“我们构想通过光影对话的建筑，”布亚德阐述，“如同自然元素永恒变幻，我们希望观众体验日夜流转的不同阴影。人们反复来访，永远感受不到重复的空间。”
作品呼应博物馆穹顶的结构曲线与光线穿透方式：“通过与穹顶的对话，我们试图创造真正会移动的建筑，让人通过网幕运动感知光影图案。”
约旦-巴勒斯坦艺术家艾哈迈德·阿拉格拉的《我记得。一束光》由半透明树脂立方构成，每个立方封存着特定剪影形态。
创作源自艺术家在沙迦与迪拜度过的童年。形态提取自在这两个酋长国拍摄的胶片照片，包括棕榈投射的格栅影迹、楼梯井边缘，以及其他光影与城市空间交互产生的形状。
“90年代童年时期，城市正在建设中。我们因酷热循着建筑阴影在沙迦迪拜穿行的场景历历在目，”阿拉格拉回忆，“行动路线完全追随日光轨迹。”
“我从数千张高对比度照片中提取这些不同质感的阴影——那些我们曾经追随的无心之影。将它们从图像中剥离、再造、变形，最终浇铸成型。”
本质上，阿拉格拉将阴影物质化。他对朦胧形态进行操纵变形后，采用粉末材料进行3D打印。部分形态被封存在树脂立方中，当阳光穿透时，艺术家称阴影将“被释放”，回归非物质状态。“这是将阴影视为材料而非转瞬即逝的存在。”
六件作品共同探索阴影如何塑造感知、解构空间认知，同时触及个人与文化维度。它们为博物馆熟悉空间及既往未开放区域注入了全新意义。
“作品与空间、与机构产生共鸣，”阿布扎比卢浮宫馆长曼努埃尔·拉巴特强调，“艺术家遴选不基于既往创作，而取决于方案与主题的契合度，经过完整创作流程最终实现与空间的完美融合。”
自2021年创立以来，“此地艺术”与理查德·米勒艺术奖从仅面向阿联酋艺术家，逐步扩展至海湾地区及更广地域，今年更首度纳入日本。拉巴特期待平台延续此发展轨迹，这与博物馆的核心使命深度契合。
“阿布扎比卢浮宫是真正的普世博物馆。通过‘阴影’这般简单的主题，我们既能探索其在日本的意涵，亦可审视其在地域文化中的隐喻。”
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